El Cine Del Oriente.

El cine chino no es fácil de estudiar. Para empezar, se trata de una cinematografía muy amplia. Tan poderosa que ni siquiera nombres tan conocidos como John Woo, Jackie Chan o Zhang Yimou pueden resumirla de forma satisfactoria.

Con todo, esa faceta inabarcable convive con un propósito más llevadero: el de atraer el interés del gran público.

Podría citar varios motivos para el análisis del cine de China, pero me limitaré a dos: la creciente importancia de la industria audiovisual china y el interés que ésta despierta en una legión de aficionados.

El cine chino tiene un origen curioso. La primera proyección se efectúa en Shangai, el 11 de agosto de 1896, en el Hsu Garden. Un jardín, un lugar destinado al ocio, y una casa de té.


La llegada del cine sonoro

El 15 de marzo de 1930 se estrenó la primera película sonora china, Geneu Hong Meudan, de Zhang Shichuan.

En 1925 el empresario Chien Yung Shaw, hermano mayor de la familia Shaw, creó otra compañía en Shangai, que compitió desde el primer momento con Shichuan. Tres años después, Chien Yung nombró a su hermano pequeño, Run Run Shaw, distribuidor oficial de la firma en Malasia y Singapur.

Todo un personaje, Run Run Shaw. Admirado por Tarantino y por tantos otros. Cuando los japoneses amenazaron seriamente su negocio en 1937, los hermanos Shaw se desplazaron a Hong-Kong, donde financiaron uno de los imperios cinematográficos más importantes de Asia.

El caso es que los logros empresariales de la familia Shaw y Shichuan fueron imitados por otras compañías, como la Shangai Film Company y la China Film Company.

De todos modos, la compañía Shichuan dominó este periodo. Shichuan tuvo éxitos como Huaji dawang you hua ji (1922), Danao guai juchang (1923) y Geu'er jiu zu ji (1923).

Su expasión coincide con cambios importantes. El sistema de censura establecido por Chang Kai-Chek en 1930 afectó a los directores.

Algunos empezaron a simpatizar con la causa comunista. La canción de los pescadores (1933), de Tsai Chu-seng, es una buena muestra de la nueva dirección política.

La segunda generación

Tsai Chu-Seng es reconocido como uno de los representantes más significativos de la segunda generación de cineastas chinos. Generación que se caracterizó, en el terreno temático, por la transmisión de una denuncia social bajo el manto de una fuerte ideología de izquierdas, y en su plano estilístico por las innovaciones técnicas que rompían con la tradición teatral, situando la cámara en exteriores con la finalidad de buscar un realismo más descriptivo.

También se busco una narración basada en metáforas y simbologías que, de forma didáctica, alumbrasen al espectador semioculto en su ignorancia.

La canción de los pescadores es un buen ejemplo de lo que decía. Su argumento gira en torno a una familia de pescadores, ubicada en la costa de China. Su precaria vida se acentúa aún más por el desamparo, a raíz de la muerte del cabeza de familia, debido a una terrible tormenta. Ahí se introduce una épica familiar, tratada desde el realismo.

Tsai Chu-Seng intensificó ese planteamiento al incorporar el sonido sincrónico a lo largo de todo el metraje, aumentando así la función didáctica-ideólogica en el espectador. El éxito de la película fue tal, que traspasó sus fronteras y consiguió un premio en el Festival Internacional de Cine de Moscú.

Acabo de mencionar la palabra generación a la hora de hablar del momento histórico y formal de este realizador. A partir de ahora voy a emplear esta palabra para referirme a las distintas etapas de la historia del cine chino.

Utilizo este concepto más bien por tradición y memoria histórica, aunque lo más correcto sería hablar de determinadas fases.

El término quinta generación ha alcanzado una repercusión internacional como movimiento cultural y cinematográfico, y se ha ido extendiendo como uno de los paradigmas del cine contemporáneo. Por este motivo, porque ya se ha asentado este término en el espectador y en el crítico, me veo obligada a emplear la palabra generación para el resto de etapas. Etapas que se pueden resumir en los siguientes períodos: la invasión japonesa (primera y segunda generación); disgregación del país e imposición de los totalitarismos (segunda y tercera generación); debacle de la Revolución Cultural (tercera y cuarta generación); apertura (quinta generación); y después de Tiananmen (sexta generación).

Una vez planteada esa aclaración, recordaré otro acontecimiento con repercusiones en el mundo del cine, la invasión japonesa de Manchuria.

Un hecho decisivo, sin duda. El ejército japonés penetró en esta región el 18 de septiembre de 1931, y estableció las bases del futuro estado de Manchukuo, vigente desde 1932.

Cinco años después, se inició la guerra chino-japonesa y la Armada nipona, a través de sus propagandistas, instituyó la Asociación Cinematográfica de Manchuria, que fue la primera gran compañía de distribución establecida en el corazón de China. Un productor japonés de gran prestigio, Shiro Kido, participó en la creación en 1939 de la Compañía China de Producción Cinematográfica.

Dato curioso: muchas de estas instituciones, debidamente reconvertidas, fueron luego básicas para la infraestructura cinematográfica maoísta.

Obviamente, la invasión japonesa de Shangai, principal centro de producción de películas de China, en el año 1932, hizo que muchas compañías cerrasen, sobreviviendo las tres principales (Mingshing, Lianhua y Tianyi, propiedad esta última de los hermanos Shaw).

La temática antijaponesa, junto con la exaltación del patriotismo eran los ejes más frecuentes de sus producciones.

¿Qué derroteros tomo la industria de ahí en adelante? La llamada Segunda Generación se vio inmersa en el devenir histórico. Por un lado, asimilaba las pautas del Kuomintang, por medio de películas de ideal más progresista y con ataques a la corrupción oficial. Y por otro, recibía las aportaciones del Partido Comunista, que también comenzó a utilizar el cinematógrafo como medio propagandístico.

¿Y cuál fue el género predominante? Durante la década de los treinta se impuso un realismo muy unido al drama, que entre otras muchas cosas, reflejaba la situación de pesimismo con la que el pueblo chino se enfrentó a la ocupación japonesa.

A este respecto me parece muy interesante destacar la obra de Sun Yu.

La invasión japonesa y la República Popular

Cuando las tropas japonesas ocuparon Shangai, muchos cineastas acabaron huyendo a Hong-Kong, entre ellos Kai Chusheng, perseguido por los militares nipones a causa de su película Qiancheng wamli (1940).

Antes de dirigir su atención a Taiwan, que les sirvió de refugio, los partidarios del Kuomintang se encontraron con una creciente cantidad de largometrajes dirigidos por militantes de izquierdas.

Ese enfrentamiento entre comunistas y nacionalistas tuvo un adecuado reflejo en el cine, aunque el ajuste de cuentas de los izquierdistas resultó más contundente en la gran pantalla.

La ciudad de Yan'an sirvió de cuartel general a los comunistas, y es allí donde el director Yuan Muzhi, responsable de Malu tianshi (1937), constituyó un equipo itinerante que produjo filmes con un marcado acento propagandista.

Un cine de propaganda que, dicho sea de paso, utilizó con frecuencia el género documental.

Avanzamos en la Historia. Quedó constituida la República Popular China el 1 de octubre de 1949. Films de aquel momento, como Shangrao jizhongying (1951), de Sha Meng y Zhang Ke, eran controlados en todos sus detalles por el Comité Central del Partido Comunista y por la Oficina de Propaganda del Ministerio de Cultura. En adelante, el cine pasó a convertirse en un instrumento utilitario, empleado como correa de transmisión del ideario comunista.

El control creativo discurrió paralelo a la potenciación de la industria cinematográfica, reordenada desde 1949 mediante la Asociación de Profesionales del Cine, una especie de sindicato dominado por comisarios del partido.

Continuara...

Tarantino Movies.

Pulp Fiction-1994
Direccion : Quentin Tarantino

Tiempos Tarantino

El cine de Quentin Tarantino, su influencia en la última década y la situación en la que se encuentra gran parte del cine norteamericano en la actualidad.

Quentin Tarantino ha sido y es un referente en el cine contemporáneo. Ha planteado las bases de un cine propio hecho de las más diversas influencias: la cultura pop, los seriales televisivos, el gore italiano («giallo»), el cine japonés, el género negro, &c. Durante toda la década de los años 90, ha creado lo que podría denominarse como una Escuela, una corriente de seguidores y devotos, especialmente en EEUU aunque también en Europa. Sin embargo, la (a mi juicio) decadencia en la que se halla gran parte de la industria americana como creadora de arte verdadero, tan lejos ya de otras épocas, junto al fracaso creativo que supone la última obra de este director, nos ha hecho reflexionar sobre los pilares en los que se fundamenta su cine.

Los códigos estéticos de Tarantino

El director danés Carl Theodor Dreyer (1889-1968) dijo, en cierta ocasión, lo siguiente acerca del arte: «la relación que existe entre un ser humano y una obra de arte reside en que, de la misma manera que se dice que existe el alma de un hombre, también puede afirmarse que una obra de arte posee un alma y una personalidad. El alma se refleja en el estilo, la manera con la que el propio artista manifiesta su propia percepción del material con el que trabaja». Una opinión que ya estaba en boca de hombres tan importantes en su «campo» como Gustave Flaubert o Marcel Proust. Es evidente que cualquier director-autor se maneja en su «oficio» en base a unos criterios que definen su personalidad creativa, algo que es más acusado en unos y menos en otros. Hay directores, como novelistas o dramaturgos, que parecen no tener un estilo: en cualquier caso, esa aparente falta de estilo puede ser el estilo mismo que utilizan, una mansa neutralidad. Otros, sin embargo, tienen una «naturaleza de estilo» muy acusada, como Alfred Hitchcock o Ingmar Bergman. Pero, para el caso del norteamericano Tarantino, ¿cuáles son los elementos que conforman su percepción de ese material con el que trabaja? De hallarlos podríamos definirle con completa nitidez como artista o creador. Para ello, retrocedamos hasta hace ya casi catorce años.

A principios de los años 90, Quentin Tarantino irrumpió en el cine (como suele decirse) con su película Reservoir dogs (1991), un compendio de cine negro donde se mezclan largos diálogos teatrales con escenas de violencia propia de la cinematografía oriental y, en concreto, de directores como John Woo (Una bala en la cabeza, de 1990), aunque también con influencias del cine de Occidente (Grupo salvaje de Sam Peckimpack). La primera obra de Tarantino sirvió para sentar las bases de su propio mundo estético. La estructura, bien trabada, era sólida por medio del uso del llamado «flash back» (odio estos anglicismos, por eso, en adelante me referiré a ellos «como vueltas al pasado») y por una puesta en escena claustrofóbica y nihilista, donde se recogen elementos de inspiración propios del subgénero de atracos fallidos (Atraco Perfecto de Stanley Kubrick, o La Jungla de Asfalto, de John Huston). En definitiva, la película fue el arranque de uno de los directores-autores de los que más se ha hablado en los últimos tiempos.
Unos años después, aun bajo la aureola causada en Cannes por su «ópera prima», Tarantino realizó Pulp Fiction (1994). Utilizando aspectos de la obra anterior (como ese desaforado impulso de los protagonistas a charlar, durante mucho rato, sobre temas triviales), el director norteamericano compuso un magnífico cómic, o secuencia de viñetas alocadas, una historia sin pretensiones con el único propósito de entretener al público, así como el de sorprenderlo. La introspección psicológica de los personajes de Reservoir Dogs se vio entonces relegada a un ejercicio de comicidad irreverente. El género negro aparece como una sátira imposible bajo un cuadro de situaciones estrambóticas. En este film (como dicen ciertos críticos españoles) Tarantino dejó el relato cruel, negro, pesimista, sacado del más crudo realismo americano, para crear una obra sarcástica consigo misma, una película que aprovecha los referentes como un medio de narración propio. El resultado hechiza, no solo por una supuesta conjunción de valores artísticos, sino por la forma alocada y original en que plantea todo el conjunto.
Pero si esta segunda película sirvió para consagrar a Tarantino, bajo el prestigio de haber concebido un mundo propio (esto es, un mundo articulado sobre sus propias reglas), también hizo que pudiéramos apreciar que las bases de su cine, alimentadas por toda clase de referencias (como el cine japonés y de Hong Kong, el universo del cómic de superhéroes, las novelitas baratas, &c.), podrían concebir el germen de su propia autodestrucción paulatina. No en vano, las expectativas que causaron sus dos primeras películas se debieron, en gran parte, a la incertidumbre creada para sus futuras obras. La pregunta era entonces: ¿es Tarantino un auténtico creador, o en cambio, se trata tan solo de un director con cierto talento, cuyo mundo propio se consume a sí mismo en cada nueva película, en la medida en que, pese a ese talento, su obra no es arte real? En resumen: ¿hay «truco» en su cine? Tarantino, conocedor de esas expectativas, y sabiendo obtener buen partido de la atención centrada en su persona, supo rentabilizar su status de «geniecillo del nuevo Hollywood» alternando su faceta de guionista con la de productor, e incluso dirigiendo junto a su amigo Robert Rodríguez (con quien, sin duda, comparte aspectos estéticos comunes) subproductos enfocados a públicos imberbes o poco exigentes. Por supuesto, durante varios años, muchos críticos le perdonaron cosas como Abierto hasta el amanecer, precisamente porque el astuto Tarantino había conseguido que su obra estuviese vigilada bajo un prisma distinto al de otros directores. Como representante del cine americano supuestamente independiente, Tarantino tenía carta blanca para hacer cuanto quisiera, ya que sus películas iban a seguir siendo revisadas bajo esa perspectiva impuesta por el propio director: a saber, que sus obras son, ante todo, ejercicios de entretenimiento, compuestos múltiples donde se aglutinan toda suerte de referencias cinematográficas, sobre todo si esas referencias pertenecen al «submundo» de las series B y Z, tan abundantes en el ámbito de un videoclub; lugar donde, por cierto, Tarantino trabajó en su juventud.
Valiente fue, por ello, su adaptación de la novela Rum Punch, de Elmore Leonard, para la película Jackie Brown (1997), como acertado, a mi juicio, fue todo el reparto, especialmente la elección de Robert Foster y Pam Grier como protagonistas. Jackie Brown es un buen trabajo de cine negro que dividió a la crítica en dos facciones: quienes esperaban que Tarantino hiciera Pulp fiction 2, y quienes tenían la esperanza de que el talento del americano se bifurcase en otros planteamientos. No obstante, hoy en día Jackie Brown no deja de ser una película correcta, con una vuelta, en la narración, al recurso de las diferentes perspectivas para contar una misma historia, cuyo ejemplo claro, dentro de este perspectivismo, se halla en obras clásicas como Rashomon (1950) de Kurosawa, o en Atraco perfecto (1956), de Kubrick. Tarantino había asimilado perfectamente las técnicas de dicho perspectivismo, usándolas como un aspecto propio de sus películas. En definitiva, había sentado los códigos estéticos de su propio cine.

Los Generos de Peliculas y su Impacto.

A continuación exploraremos los distintos géneros o tipos de películas, para luego ir en detalle y examinar con ejemplos aquellos que son más populares. Para conocer más sobre la historia de las películas puedes visitar nuestro artículo sobre el cine, en la sección de arte. Con respecto a los géneros en sí, podemos mencionar a los siguientes: Películas de acción y de guerra o bélicas, de animación, de ciencia ficción, de autor, fantásticas o de fantasía, géneros negros, a las comedias y a la comedia romántica. También están las películas costumbristas, documentales, experimentales, de drama, históricas, de intriga y suspenso. Encontramos además a películas que son musicales, policiales, propagandísticas, de terror, de suspenso, las películas western, películas gore y las de corte snuff.
Estos son básicamente todos los géneros de películas que existen. Películas que tienen una relación íntima con el cine o mejor dicho, con la industria cinematográfica.
El género más antiguo o el primero corresponde al de los documentales; la primera proyección de imagenes, a mano de los hermanos Lumiere, consistió en un documental sobre obreros parisinos, saliendo de su lugar de trabajo, en una fábrica de las afueras de Paris. En la actualidad los documentales son bastante populares, sobre todo aquellos relacionados con los animales (Animal Planet, Natural Geografic), con la tecnología (como los que vemos en Discovery channel) y con la historia (History channel). Las historia de la aviación, con las épicas hazañas de los padres de la misma, es un común referente para está categoría o género. Algunos documentales han llegado al cine, como los de contenido político tipo fahrenheit 9/11 de Michael Moore o también algunos con críticas sociales, como es el caso de Super Size Me, de Morgan Spurlock, que ahonda en el tema de la comida chatarra.
Uno de los géneros que nunca pasara de moda, debido a la predilección por parte de los hombres, corresponde al de las películas de acción, dentro de las cuales, los efectos especiales juegan un papel primordial. Es así, como en ellas se suscitan tiroteos, persecuciones, explosiones, peleas frontales entre personas, etc. En todas estas películas de acción, tiene que haber de manera obligada, un villano, una mujer en peligro y por consiguiente, el héroe que la salvará y se quedará con ella. Uno de los grandes clásicos de este género, es la película Indiana Jones y la Arca Perdida, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por el mítico Harrison Ford. De igual manera, Tiburón, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Roy Scheider. Harry el Sucio, dirigida por Don Siegel y protagonizada por Clint Eastwood es también un referente obligado. Espartaco, dirigida por Stanley Kubrick y protagonizada por Kirk Douglas, Toni Curtis y Laurence Olivier causó bastante revuelo en su época, y otro gran clásico, el cual también fue una súper producción es la historia épica de Ben-Hur. Dirigida por William Wyler y protagonizada por Charlton Heston, Jack Hawkins, Stephen Boyd, Haya Harareet, Hugh Griffith y Martha Scott. En la actualidad Jhon Woo se destaca como director del género, con películas como contracara (John Travolta, Nicolas Cage) y El Pago (Ben Affleck, Uma Thurman, entre otros).
Asimismo, están las películas, que corresponden a los géneros bélicos. Las cuales en su mayoría se inspiran el los enfrentamientos historicos que han marcado a la humanidad, como es el caso de la guerra de Vietnam. Entre las películas de guerra más famosas encontramos a Apocalipsis Ahora, dirigida por Francis Ford Coppola, con el mítico Marlon Brando entre sus protagonistas. También debemos mencionar a La Delgada Línea Roja y a Black Hawk Down, entre muchas otras.
Otros de los géneros muy queridos, es el de las películas de ciencia ficción, donde existen clásicos que han sobrevivido a varias generaciones. La ciencia ficción, tiende a representar adelantos científicos o tecnológicos que vendrán en el futuro, según la imaginación de sus realizadores. También se especula sobre los efectos que estos adelantos tendrán en la sociedad. Por supuesto el tema de las civilizaciones extraterrestres juega un papel importante. Dentro de las películas clásicas de éste género, tenemos a E.T., la gran película de Steven Spielberg, con Drew Barrimore entre sus protagonistas. Otro clásico, es Alien, el Octavo Pasajero, dirigida por Ridley Scout y protagonizada por la archiconocida Sigourney Weaver. Un referente que no puede faltar es la serie de la Guerra de las Galaxias, que revolucionó al género para siempre. Principalmente la primera de ellas. Dirigida por George Lucas y protagonizada por Mark Hamill, Harrison Ford y Carrie Fisher. Por otra parte, tenemos Encuentros Cercanos del Tercer Tipo, dirigida por Steven Spielberg y protagonizada por Richard Dreyfuss. 2001: Odisea en el Espacio, dirigida por Stanley Kubrick, es uno de los máximos referentes de éste género. De igual manera, El Planeta de los Simios, dirigida por Franklin J. Schaffner y protagonizada por Charlton Heston. Además podemos mencionar, a La Guerra de los Mundos, dirigida por Byron Haskin y protagonizada por Gene Barry y Ann Robinson. El referente moderno del género corresponde a la película Matrix, protagonizada por Keanu reeves, que ya es todo un clásico infaltable.
Por otra parte entre los géneros, en la otra cara de la moneda, por así decirlo, tenemos a las comedias, dentro de las cuales, podemos incluir a las comedias románticas, uno de los géneros más explotados en la actualidad. La idea de las películas de comedia o su rol principal, es hacer reír a quien las va a ver. La comedia, es uno de los géneros más antiguos en el mundo, ya que los griegos, en el siglo V antes de Cristo, ya practicaban obras teatrales, relacionadas con la comedia. La comedia romántica, tiene la misma base, hacer reír, pero se incluye una historia de amor, dentro de la trama; el éxito comercial de las mismas se debe en parte a que atraen a mujeres (por la historia romántica) y a hombres (por la comedia en sí) por igual. Un verdadero clásico es Loco Por Mary, de los hermanos Farrelly, protagonizada por la despampanante Cameron Diaz, por Ben Stiller y Matt Dillon.
Uno de los géneros más explotados en el siglo XX y el actual, es el de las películas de terror. Estas películas, buscan provocar miedo, en los espectadores. Para lograr este efecto el juego con las luces y el sonido tiene un papel preponderante. El claro oscuro, la penumbra, provoca un escenario ideal, para que se desarrolle la historia de terror. Memorables, son las películas, en las cuales se trabaja con mitología, fábulas y leyendas, como la de los vampiros, los hombres lobos y el archiconocido, Frankenstein. El máximo referente de éste género, es el Exorcista, dirigida por William Friedkin y protagonizada por Linda Blair. Los Pájaros, dirigida por Alfred Hitchcock, la cual fue protagonizada por Tippi Hedren y Rod Taylor es también considerada un clásico. Otra gran película de terror, fue Psicosis, dirigida por Alfred Hitchcock y protagonizada por Anthony Perkins y Vera Miles. Asimismo, La Momia, dirigida por Karl Freund y protagonizada por Boris Karloff y Zita Johann. Las últimas dos menciones que no se pueden pasar a llevar, corresponden a El Doctor Frankenstein dirigida por James Whale y protagonizada por Boris Karloff, Colin Clive y Mae Clarke y por último, Drácula, dirigida por Tod Browning y protagonizada por Bela Lugosi y Helen Chandler.
Por último, tenemos los géneros de drama. Las películas dramáticas, no siempre tienen relación directa, con situaciones trágicas o finales tristes; a veces incluyen al humor. Aún cuando, la mayoría de las películas dramáticas, tienden a relacionarse con historias tristonas y con tramas complejas, que terminan por lo general, con un final, muy lejano al de por siempre felices. Una de las películas clásicas de este género, es Taxi Driver, dirigida por Martin Scorsese y protagonizada por Robert de Niro. Asimismo, El Padrino, dirigida por Francis Ford Coppola y protagonizada por Marlon Brando, Al Pacino, James Caan y Robert Dubal. Por otra parte, tenemos Doctor Zhivago, dirigida por David Lean y protagonizada por Omar Sharif, Julie Christie, Ralph Richardson y Geraldine Chaplin. De igual forma, Lawrence de Arabia, dirigida por David Lean y protagonizada por Peter OToole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Jack Hawkins y Omar Sharif. Por último, podemos mencionar a la gran película que fue Casablanca, dirigida por Michael Curtiz y protagonizada por dos grandes actores, Humphrey Bogart y Ingrid Bergman.

Grandes Peliculas de los Ultimas Decadas.

Star Wars 1977
Direccion: george lucas

Desde el estreno de la primera trilogía de películas, A New Hope (originalmente Star Wars, 1977), The Empire Strikes Back (1980) y Return of the Jedi (1983), la serie se convirtió en un éxito popular y económico que permitió a Lucas crear todo un imperio cinematográfico formado por varias empresas que revolucionaron el cine posterior, especialmente en lo que a los efectos especiales se refiere.

Superman 2 1988

Direccion : Richard donner

Tres criminales, procedentes del planeta Krypton y que el padre de Superman condenó a vagar por el espacio, rompen su condena y descienden a la Tierra para enfrentarse a Superman, en una batalla cósmica por la supremacía del planeta. Al mismo tiempo el superhéroe continúa ocultando su identidad bajo el tímido reportero Clark Kent, aunque su novia Lois Lane comienza a sospechar.

El resplandor (1980)

Direccion: Stanley Kubrick

Jack Torrance es contratado para mantener el hotel Overlook durante los meses de invierno en los que permanece vacío. Junto a su hijo Danny, que tiene un extraño poder de premonición llamado "resplandor", y su mujer Wendy, se trasladan al hotel, situado en medio de la nada. Pero con la llegada de la nieve, la carretera que les comunica con la ciudad más cercana es cortada, y en medio del aislamiento unos terroríficos poderes empiezan a desatarse en las habitaciones del hotel y en la mente del propio Jack, que irán trastornándolo hasta convertirlo en un psicópata.

Viernes 13 (1981)
Direccion: Sean S. Cunningham

Varios jóvenes pasan sus vacaciones en un campamento de Verano, reabierto recientemente, y en el que hace varios años murió un joven ahogado en el lago. En poco tiempo, varios de los miembros del campamento son encontrados sin vida.

Indiana Jones y los cazadores del arca perdida (1981)

Direccion : Steven Spilberg

Indiana Jones es un profesor universitario de arqueología, gustoso de aventurarse en pos de conseguir valiosas reliquias históricas. Tras regresar de una infructuosa misión en Sudamérica, el gobierno estadounidense le encargará un nuevo cometido; la búsqueda del Arca de la Alianza, lugar en donde se cree que los hebreos depositaron los mandamientos que Dios había otorgado a Moisés, y cuya leyenda atribuye un invencible poder a quien lo posea. Por tal motivo, los nazis también van detrás de ella.

Halloween (1978)

Direccion : John carpenters

Michael Myers,escapado del hospital estatal de illinois para enfermos mentales.despues de 15 años de tratamiento por la impresion causada al debido brutal asesinato de su hermana.
regresa a Handdonfield para desahogarse de su crimen. lo que sigue es su reinado de terror.

Los Cazafantasmas (1984)

Direccion: Ivan Reitman

Los Drs. Venkman, Stantz y Epengler, son tres doctores en parapsicología que se quedan sin empleo tras quedar excluidos de una beca universitaria de investigación. Entonces deciden formar la empresa "Los Cazafantasmas", dedicada a limpiar Nueva York de ectoplasmas. El aumento repentino de apariciones espectrales en la Gran Manzana será el presagio de la llegada de un peligroso y poderoso demonio.

Pesadilla en la calle del infierno (1984)

Direccion: Wes Craven.

Varios jóvenes de una pequeña localidad tienen habitualmente pesadillas en las que son perseguidos por un hombre deformado por el fuego y que usa un guante terminado en afiladas cuchillas. Algunos de ellos comienzan a ser asesinados mientras duermen por este ser, que resulta ser un asesino al que los padres de estos jóvenes quemaron vivo hace varios años tras descubrir que había asesinado a varios niños.

Grease (1978)

Direccion : Randal Kleiser

Grease es una película musical inspirada en los años 50, rodada en 1978 en Estados Unidos bajo la dirección de Randal Kleiser. Se basa en el musical creado por Jim Jacobs y Warren Casey, del mismo título y que data de 1972. Fue la película que lanzó al estrellato a Olivia Newton-John y que ayudó a consolidar el suyo a John Travolta.

Volver al Futuro (1985)

Direccion: Robert Zemeckis

Marty McFly es un adolescente amigo de Doc, un científico a los que todos menos él toman por chiflado. Cuando Doc crea una máquina para viajar en el tiempo en forma de un automóvil deportivo, Marty viaja accidentalmente al año 1955. Allí se encontrará con sus padres cuando eran jóvenes, pero impide su primer encuentro. A partir de entonces, y con el tiempo en su contra, McFly deberá conseguir que se enamoren para que se casen y él no deje de existir.

Las Ultimas Decadas

finales de los años 70, y después de unos años de cine espectacular basado en el catastrofismo -quizás como reflejo del retorno del peligro atómico-, se impone la recuperación de la superproducción des del punto de vista de la calidad y de la rentabilidad. Concretamente de la mano de Georges Lucas -autor de "La guerra de las galaxias" (1977)- y de Steven Spielberg, realizador de "Encuentros en la tercera fase" (1977)-. Paralelamente, otros directores apuestan por un cine igualmente comercial pero tratando con un estilo de realización muy personal y creativo, como Ford Coppola,Scorsese, Brian de Palma, Burton, Lynch... Son unos años en los que o se cuestiona todo -como en el caso de los films sobre Indochina- o se retorna al pasado con nostalgia; abundan los remakes y el fantástico.

En los años 80, la aparición e introducción del vídeo, y el aumento de los canales televisivos por vías diferentes, hacen que el público vea más cine que nunca, sin salir de casa. Es preciso buscar de nuevo espectacularidad: películas con muchos efectos especiales prueban de atraer a los espectadores hacia la sala oscura. Actores musculosos se convierten en héroes de la pantalla en títulos violentos cuando no reaccionarios. Frente a este cine consumista aparecen autores más preocupados por los temas políticos y, sobre todo, por la injerencia de los EEUU en otras zonas. La globalización de la economía afecta al cine norteamricano que se alía con la indústria electrónica oriental. También son tiempos de grandes melodramas y de recuperación de la comedia; en ésta última destaca Woody Allen. En España, la transición política posibilitó el despegue de un nuevo cine sin censura que influyó en la aparición de la llamada "movida madrileña". Pedro Almodóvar enriquece la escena cinematográfica a través de sus films posmodernos y de esperpento, género este último que también trabajó Berlanga. El cine vasco aporta también autores significativos al cine español.
Comenzada la década de los 90, la crisis de ideas se apoderó del cine norteamericano; así que decidió inspirarse en los héroes del cómic, aprovechándose de los nuevos procedimientos para la creación de efectos especiales. También algunas series históricas de televisión serán objeto de versiones para la gran pantalla. Géneros como la comedia clásica, los grandes dramas, los dibujos animados, el fantastic o el western han retornado con fuerza; géneros tradicionales a los cuales se les ha de sumar la sexualidad como ingrediente importante en diversos films y la aparición de un nuevo grupo de actores jóvenes conocidos como la "generación X", además de actores infantiles intérpretes de películas familiares. Por otra parte, la comedia española y el resurgimiento del cine latinoamericano han marcado durante estos años la cinematografía hispanohablante.
Algunos países europeos reaccionan contra la enorme presencia comercial del cine norteamericano, mediante leyes que favorezcan a sus propios mercados. En España, siguen apareciendo nuevos autores, como Julio Medem, Alejandro Almenábar, Fernando León, Benito Zambrano, Icíar Bollaín, Isabel Coixet...

Llegados a los cien años de cine, el procedimiento basado en la fotoquímica se alía con las nuevas tecnologías electrónicas y de los estudios salen películas donde el ordenador ha tenido mucho que ver en el proceso de obtención o manipulación de las imágenes. Hombres de carne y hueso transformándose en hombres cibernéticos, los grandes saurios paseándose en pleno siglo XX, protagonistas dando la mano a personajes muertos hace décadas... De la mano de la electrónica aparece la realidad virtual: ¿nos convertiremos pronto en espectadores individuales de las películas?

Avanzando aun mas...

En otros lugares, a lo largo de los años 60 surgirán también nuevos cinemas: En Suecia, Ingmar Bergman asume un cine introspeccionista donde la psicología de las personas, sus angustias y sus dudas existenciales, pasa a ser el referente principal.

En Italia, Antonioni, Pasolini, Bertolucci, Visconti y Fellini optan por un tipo de cine poético. Mientras que Antonioni -autor de "La aventura" (1960)- indaga en el comportamiento de los personajes, Fellini se distingue por su cine rico en propuestas fantasiosas y oníricas, siendo una muestra los films "Ocho y medio" (1963) o "Amarcord" (1974).
En Gran Bretaña, el free cinema se encuadra dentro de una estética contestataria, crítica para con su sociedad puritana y clasista; plantea las inadaptaciones sociales que ocasiona la vida en las grandes ciudades industriales y la soledad del hombre contemporáneo en ellas. Los cineastas más representativos han sido Lindsay Anderson, Tony Richardson o Karel Reisz. En la Alemania federal, el "nuevo cine alemán" generó cineastas como Fleischmann, Kluge, Schlöndorff, Straub, Fassbinder, Herzog o Wenders. Hay que tener en cuenta en todos ellos la influencia del "mayo del 68".

Aparicion De Los Inmortales...

Hacen aparición nuevos mitos de la pantalla que rompen los esquemas de comportamiento social convencionales, como Marlon Brando, James Dean o Marilyn Monroe.
Los jóvenes se convierten en un público potencial importante; es la época del rock. Es también la década de los grandes melodramas y de la consolidación de los géneros, como en el caso del thriller; un buen ejemplo de éste último lo tenemos en los films de Hitchcock, "Vértigo" (1958) o "La ventana indiscreta" (1954).

Obviamente, además de Occidente, en el resto del mundo también ha existido cinematografía, dependiendo la producción -en cada uno de los países mayoritariamente desarrollados- de sus posibilidades económicas y de sus ligámenes coloniales o postcoloniales con la metrópolis europea. Si bien algunos paises de Africa, como Egipto, o la Índia se han caracterizado por su capacidad de producción, Japón se ha distinguido -además de la calidad de muchos de sus títulos, de la mano de grandes cineastas como Ozu, Mizoguchi y Kurosawa, éste último es el autor de "Los siete samurais" (1954). En todos ellos sorprende la concepción del tiempo cinematográfico y de la planificación.

A finales de los años 50, y siguiendo los pasos de directores innovadores como Rossellini, el cine francés se encontraba estancado por los productos clásicos que salían de sus estudios. Una nueva generación de realizadores aportan oxigeno al cine, bajo la denominación nouvelle vague, un cine igualmente hecho con pocos medios pero con fuerza innovaciones estéticas, como demostró el film de Godard, "À bout de souffle" (1959), que supuso una ruptura con el lenguaje cinematográfico habitual. Otros realizadores como Resnais, Truffaut,Resnais, Chabrol, Malle o Rohmer siguieron los mismos pasos, aunque cada uno desde su estilo personal. Paralelamente aparece el cinéma verité, de tendencia documentalista, que busca captar la vida tal como es.
En otros lugares, a lo largo de los años 60 surgirán también nuevos cinemas: En Suecia, Ingmar Bergman asume un cine introspeccionista donde la psicología de las personas, sus angustias y sus dudas existenciales, pasa a ser el referente principal.

Y Llega El Color.

El cine en color llega en 1935 con la película "La feria de las vanidades", de Rouben Mamoulian, aunque artísticamente su plenitud se consigue en el film de Victor Fleming, "Lo que el viento se llevó" ( 1939).
El cine de animación se fue implantando entre los gustos del público, especialmente entre los más pequeños. Walt Disney es el creador americano predilecto incluso más allá del propio país.
Los trucajes es una de las especialidades más estimadas por el público. La ubicación de castillos en paisajes donde no han existido, a partir de cristales pintados, o la recreación de un gorila gigante a partir de un simio pequeño o de maquetas, son muestras de la magia del cine, a la cual acaban de dar el toque la decoración, el maquillaje o el vestuario.
Frente a directores con planteamientos principalmente comerciales, hacen aparición otros con nuevas inquietudes estéticas. Es el caso de Von Stroheim, Hitchcock o Orson Welles; éste último realizó las obras maestras "Ciudadano Kane" (1941) y "El cuarto mandamiento" (1942).
Mientras tanto en Europa las cinematografías de los países con gobiernos totalitarios se orientan hacia un cine políticamente propagandístico, con frecuencia fallido artísticamente en el caso de los fascismos. Respecto al Estado soviético, sigue siendo una excepción el cine de S.M.Eisenstein, como lo demuestran los films "Alexander Nevsky" (1938) e "Iván el Terrible" (1945).
Cuando la Segunda Guerra Mundial estalla, el cine se basa en la propaganda nacionalista, el documental de guerra o el producto escapista.

Al terminar la guerra, en una Italia destrozada, aparece el llamado cine "neorrealista", un cine testimonial sobre la realidad del momento, hecho con pocos medios materiales pero con mucha humanidad, preocupado por los problemas del individuo de la calle. Es el caso de "La terra trema" (1947), de Visconti; suponen una mirada sobre los problemas de subsistencia de los más humildes.
Este tipo de cine creó escuela por todo Occidente e, incluso, los norteamericanos se aficionaron a filmar historias fuera de los estudios, aprovechando los escenarios naturales; el "cine negro" -policíaco- fue uno de los géneros que más rodó en las ciudades.
En los EEUU, las películas o bien denotan un tono pesimista donde los personajes reflejan los padecimientos y angustias pasadas a lo largo de la guerra o como consecuencia de ella, o bien se inspiran en la comedia o el musical porque el público -a la vez- necesita "olvidar". Cuando en 1947 se inicia la "guerra fría" entre Occidente y la URSS, en los EEUU comienza un período de conservadurismo político que llega a afectar a Hollywood, especialmente a los cineastas de izquierda, los cuales son perseguidos, denunciados y condenados. A este período, que se prolongó hasta 1955, se le conoce como "mccarthysmo" o "cacería de brujas". Algunos cineastas, como Chaplin o Welles, optaron por el exilio.

Los años 50 representan para los norteamericanos una nueva época de bienestar que cambió el estilo de vida, sobre todo en lo que se refiere al ocio. La adquisición de televisores supone un fuerte competidor para el cine. El número de espectadores disminuye y hay que buscar maneras para recuperarlo. La mejor forma será dándole al público lo que la pequeña pantalla no puede: espectacularidad. Es entonces cuando la pantalla crece, se proyecta en color y el sonido se convierte en estéreo.

El Cine y Su Impacto en la Guerra..

El Triunfo De La Voluntad.
Dirigida : Leni Riefenstahl

Probablemente sea la Segunda Guerra Mundial el acontecimiento del siglo XX que ha generado una filmografía más extensa, particularmente en el cine norteamericano. A las razones habituales -género bélico, dramas colectivos, espectacularidad, posibilidad de tratamientos variados, etc.- hay que añadir el hecho de que -si no por primera vez, pues existen los antecedentes de la Gran Guerra y de la Guerra Civil española, sí de forma decisiva- el cine se convierte en mecanismo de creación de la opinión pública, es decir, en factor de la propia contienda; por tanto, es muy explicable el rodaje de filmes durante la guerra que tiene lugar en Estados Unidos -y, en menor medida, en Gran Bretaña- en contraste con las dificultades para ello en la Europa ocupada. Obviamente, esas películas tienen un tratamiento -básicamente destinado a elevar la moral de resistencia de la población civil- que difiere notablemente de la aproximación más crítica existente ya desde los años setenta. En las historias sobre la guerra en Europa se cuentan sucesos de la oposición al nazismo en los diferentes países o los efectos sobre la población: Once Upon a Honeymoon, Edge of Darkness, Esta tierra es mía, Hitler's Hangman, Mission to Moscow, The North Star, ¿Arde París?, El ejército de las sombras, Esperanza y gloria, Adiós, muchachos, etc.La acción guerrillera se pone de manifiesto en obras como The North Star o Days of Glory. De la vida cotidiana durante la ocupación nazi destaca sobremanera la trilogía de Roberto Rossellini Roma, ciudad abierta, Paisà y Germania, anno zero. Aunque no aborda de forma convencional la guerra, no cabe duda que en las pequeñas historias de tipos corrientes ofrece un fresco de enorme interés sobre la contienda. Contrasta este cine italiano de posguerra con la visión ofrecida por la cinematografía francesa, que silencia el colaboracionismo durante la Ocupación hasta años después.

Un Grande!

Charlie Chaplin llegó a Hollywood en la primavera de 1913, y comenzó a trabajar en noviembre. El 2 de febrero de 1914 se estrenaba su primera película, Making a Living (Ganándose la vida, también conocida como Charlot periodista). En ese mismo año rodó 35 films de un rollo (cortos de entre doce y dieciséis minutos de duración), escritos y dirigidos por Sennett, el propio Charles u otros directores. Todavía sus caracterizaciones eran sólo esbozos del vagabundo ingenuo y sentimental que le daría fama en todo el mundo, pero como Chaplin interpretaba en cada uno un oficio o situación distinta, se los bautizaría luego como Charlot bailarín, Charlot camarero, Charlot de conquista, Charlot ladrón elegante, etc. El éxito fue arrollador, y en 1915 la productora Essanay le robó a Sennett su estrella por un contrato de 1.500 dólares a la semana. Cifra fabulosa para un cómico de cine mudo, que en Keystone venía cobrando diez veces menos.
Con la Essanay, Chaplin pasó a escribir y dirigir los catorce films que rodó ese año. Tenían ya una duración de dos rollos, una trama más complicada que introducía toques románticos y melancólicos en la receta humorística, y un guión meticulosamente estructurado y ensayado. Chaplin era el protagonista absoluto (en alguno en rol femenino), y en la mayoría de ellos su partenaire era Edna Purviance. Cabe recordar A Night in the Show, The Champion, The Night Out y sobre todo The Tramp (El vagabundo), en la que redondeaba el personaje que luego se conocería como Charlot. Él mismo contaría después que fue escogiendo casi al azar -como lo haría un vagabundo real- el sombrero, el bastón, los anchos pantalones, la chaqueta estrecha y los zapatones. El resultado fue el atuendo más famoso y perdurable en la historia del cine.

Esta Vivo !!!

Y LLega El Sonido!

El 6 de octubre de 1927 sucede un hecho revolucionario para la historia del cine: ¡comenzaba a hablar! "El cantor de jazz", de Alan Crosland, dejaba escuchar al actor Al Jolson cantando. Se iniciaba una nueva era para la industria del cine. También para los actores: muchos de ellos desaparecieron como tales al conocer el público su verdadera voz, desagradable o ridícula, que no correspondía a la apariencia física. ¡Desaparecían los intertítulos!.



Los estudios tuvieron que replanteárselo a pesar de que hicieron importantes inversiones para reconvertirse en sonoros. También los técnicos y los cineastas cambiaron de forma de hacer y de pensar. Y los actores y actrices tuvieron que aprender a vocalizar correctamente. En el Estado Español, los primeros estudios sonoros, los Orphea, fueron inaugurados en Barcelona en 1932.
La implantación del sonoro coincidió con el crack económico de 1929 que ocasionó una Gran Depresión en los EEUU. Miles de ciudadanos encontraban en el cine momentos para huir de los problemas cotidianos. Hollywood se dedicó a producir títulos basados en los géneros fantástico,la comedia, el musical o el cine negro, con el fin de exhibir productos escapistas.

Asalto En Las Mentes!

En 1903, con la cinta "Asalto y robo de un tren", Edwin Porter inaugura el cine del Oeste.
Género continuado después por T.H.Ince- y utiliza el montaje simultáneo. Los espectadores comienzan a aprender un nuevo lenguaje, el cinematográfico: aprenden a relacionar las imágenes entendiendo que guardan una relación de continuidad. Y la base de este nuevo lenguaje es el montaje.
Viendo que se convierte en un gran espectáculo popular, que supera las barreras sociales y idiomáticas -en un país de inmigración formado por multitud de lenguas y etnias-, el factor negocio entra en acción. Con el fin de monopolizar el mercado cinematográfico y acabar con sus competidores, Edison envía a sus abogados contra los explotadores de aparatos cinematográficos. Se trata de la guerra de las patentes (1897-1906) que, después de una época de procesos, clausuras de salas, confiscación de aparatos y momentos de violencia, da la victoria a Edison. Ello afectó negativamente a los productores independientes, los cuales, para huir del inventor-negociante, marchan al otro lado del país, a California, donde fundan Hollywood. Aquí levantarán las grandes productoras que harán la historia del cine norteamericano.
Entre los diversos países donde el cine ya es una realidad, Italia es uno de los avanzados en la concepción del cine como espectáculo. Y las películas de grandes reconstrucciones históricas serán el mejor medio para hacerse con el público. El título más destacado fue "Cabiria", dirigido por Giovanni Pastrone en 1913. Grandes escenarios y muchos extras encarnando a romanos o a cartagineses garantían una producción colosal para la época. Una concepción del cine que influirá en los cineastas norteamericanos.

Cine, La LLegada De Un Tren.

Para Comenzar este Blog y para todos los Cinefilos de sangre, que me considero uno de ellos . Empezaremos con las bases de el y como afecto en nuestra sociedad y nuestras vidas.

Auguste y Louis Lumière
Título Original: L'Arrivée d'un train à La Ciotat o L'Arrivée d'un train en gare de La Ciotat
País: Francia
Año:1895
Género: Documental
Director: Louis Lumière
Producción: Auguste y Louis Lumière.
Duración: 49 segundos.

¡Acción!En diciembre de 1895, los parisinos hermanos Lumière abrieron su primera sala de cine con Llegada de un Tren a la Estación. Este temprano film de acción mostraba una locomotora haciendo su entrada a una estación de tren, haciendo chillar y agacharse a los espectadores mientras el tren se acercaba a ellos en la pantalla. Avanzando en el tiempo, en 1993 los espectadores de todo el mundo gritaron al ver la horrible colisión entre un autobús y un tren en El Fugitivo. La acción es un gancho común que se extiende a lo largo de toda la historia de la película. Y, mientras el tren era indiscutiblemente la estrella de la película de los hermanos Lumière, El Fugitivo hizo brillar no solamente a Harrison Ford y a Tommy Lee Jones sino también a un amplio repertorio de los mejores y más destacados actores especialistas en escenas peligrosas.
En los primeros tiempos, los filmes duraban unos 10 minutos, casi la longitud de un rollo de película. La mayoría eran crónicas de acontecimientos de la vida real o comedias basadas en un solo chiste. Pero algunos cineastas estaban empeñados en crear grandes historias. El más notable fue Edwin S. Porter, director de El Gran Asalto al Tren (1903), considerada la primera película de larga duración. Esta historia real sobre unos fugitivos ladrones de trenes presentó casi todos los elementos de acción de las películas más sofisticadas de hoy. Tenía escenas de persecuciones, disparos, acrobacias, muertes, malos al galope en sus caballos y buenos en peligro. El Gran Asalto al Tren obtuvo un éxito instantáneo y se mantuvo como la película más popular durante los 10 años siguientes.